看剧

剧

今天来保利大剧院看灵笼音乐会，第一次来这种大剧场，本来我也很喜欢看剧，感觉体验很不错，以后又找到一种新玩法。感触很多，但是表达能力实在欠缺。

看见舞台上指挥家指点江山挥斥方遒，我不能理解他到底做了什么，但是这种行为真的很艺术。我盯着那个站在所有乐手面前的人，他手一挥，弦乐就涌上来，手一收，整个乐队就安静下去，像在操控某种看不见的潮汐。我想起几百年前维也纳的金色大厅，贝多芬等伟大的作曲家站在台上时，常人难以欣赏他们的艺术，也许他们所看到的所听见的世界和我们真的不一样。贝多芬双耳失聪还能创作歌曲，他听不见任何声音，却能在脑子里把整个交响乐铺开。欧拉双目失明，但是发表的研究结果一点也没少。他们都是人类史上的群星，也正是如此他们才会被铭记。而我们大多数人，只是偶然抬头看见了星光的人。

想起之前的事

今天试图用第一次的眼光去欣赏这个音乐会，我不知道业内评价怎么样也不关心，我只知道就我个人第一次感受而言，体验是很好的。

在某个领域，领头的是大能，接触过一段时间的人，往往会鄙夷轻视初次接触的人，当然也有对新人多加照顾的，我只是在想，我之前似乎也有过类似的毛病，因为自己对某个领域稍有接触就沾沾自喜。比如我因为自己在听歌的时候会多注意听一下背景音乐的乐器，而稍带轻视那些只会听副歌歌词人声的人。对初次接触的人报以不屑，这次是否也有人会对我这样想，我不知道，但我知道我以后大概不会这样想了。毕竟所有人对于所有领域都是从零到一，再从一到一百，我曾经居然觉得自己得到了一个一，甚至不到一就沾沾自喜，这令我无法忍受。今天坐在剧场里，我是一个纯粹的外行，这种感觉反而很好。

大工程

我在惊叹这个音乐剧到底是怎么做出来的？视频画面，音乐的高低起伏，观众的情绪，人声的附和，要考虑的因素太多了。作曲家在创作出来之后，还需要团队大量的练习，而且作曲家是否对灵笼这部动画有了解，我对这个也很疑惑。社会上层一点的白领或者金领，和我们普通人的生活是否有很大区别，他们站在更高的位置调配资源，能看到整个项目的全貌，而我们坐在台下只能看到最终的呈现。

一场大型商业活动，需要牵涉多方利益，以我目前无知的眼光来看，大概是乐团立项，找到灵笼动画方征求版权，找剪辑师剪视频画面，和作曲家一起合作，力求音画和谐，打动人。随后排练，租下剧场，找到广告方投放广告，吸引观众前来。光是想想这些环节要一一落地，就觉得不可思议。

引用ds的话：

资金与商业模式：这是所有环节的前提。资金可能来自乐团自筹、企业赞助或政府补贴。回报则靠票房、周边销售、版权二次授权，甚至流媒体直播收入。这部分会直接影响后续的预算分配。法律与合同：除版权授权外，还需与所有参与方（乐手、作曲家、剪辑师、场地、广告商）签订明确合同，规定权利、义务、报酬及收益分成。这能有效规避纠纷，也是“波及利益”最直接的体现。项目管理与执行：需要有项目经理或制作人，统筹时间表、预算、人员调度。例如，要协调作曲家、剪辑师和指挥三方同步创作，并预留出足够的排练和合成时间。票务与渠道：广告投放只是引流手段，你还需要选择票务平台（如大麦、猫眼），设置合理的票价体系（早鸟票、套票等），并打通线上线下的购票渠道。现场运营与风险控制：演出当晚涉及检票、安保、场务、应急医疗等。还需准备备用方案，应对设备故障、演员突发状况或上座率不足等风险。

总的来说，你的理解抓住了“创作-授权-制作-呈现-推广”这条主线，这是正确的。而大型活动的复杂性，主要就体现在上述补充的资金流转、法律合约、项目管理和现场执行这四个维度上。

一场大型商业演出的票价收入，最终会按不同比例分配到多个环节。由于项目规模、地区、成本结构差异很大，以下给出一个典型中型演出的参考占比（以总票房100%计），方便你理解资金流向的逻辑：

流向类别	参考占比	说明
场地租金 & 现场运营	15%–25%	包含剧场/音乐厅租用、舞台设备（灯光、音响、LED屏）、安保、检票、保洁、临时工作人员等。
演职人员报酬	20%–30%	乐团、指挥、作曲家、剪辑师等核心创作及表演人员。如果是知名乐团或作曲家，占比可能更高。
版权授权费	8%–15%	支付给《灵笼》动画方（IP使用费）以及可能的音乐版权方（如原声带授权）。
营销 & 票务	10%–20%	广告投放（线上/线下）、海报设计、公关宣传，以及票务平台（大麦、猫眼等）的服务费（通常占票价的5%–10%）。
制作 & 排练	10%–15%	剪辑师制作音画同步视频、作曲家编曲与乐队分谱、排练厅租金、录音合成等前期成本。
行政 & 税费	10%–15%	项目管理人员工资、办公、保险、增值税及附加（演出行业增值税约6%–10%）、所得税等。
利润 / 盈余	5%–20%	主办方或投资方的回报。如果项目有赞助、政府补贴或成本控制较好，这部分会更高；反之可能极低甚至亏损。

几个关键原则：

• 以上比例相加为100%，但实际中各项目会相互挤压。例如：版权费过高，就会压缩利润或制作费。
• 风险承担方通常拿剩余利润。如果票房不及预期，场地、演职人员、版权方往往需要保底付款，主办方可能倒贴。
• 不同定价策略也会影响流向：低价票可能更偏向引流，高价票的溢价部分大多进入利润或核心演员分成。

总结：票价的一小半（约40%–55%）花在场地、演职人员、版权这三个硬成本上；剩下的一半用于营销、制作、税费，最后留存为利润。你可以根据自己设想的项目规模，调整每个区间的具体数字。

回顾剧情

看到后面的剧情，正好最近对历史很感兴趣，了解了世界各国的部分历史，突然想起灵笼第二季森格的革命，神似朴正熙的军政夺权。森格推翻旧灯塔的秩序，和朴正熙发动政变建立威权统治，内核几乎是一样的，都是一个人站在历史的关口，选择用铁腕手段去实现自己认定的正义。可能这就是历史、哲学、人文艺术，大家的内核都相似。现代作品普遍是踩着前人的经验得来，致敬，翻演，改编。日光之下，并无新事。

现代艺术表现形式

我在想，现代影视作品，动画，小说，漫画，游戏，能否划为传统艺术，画作，剧作，文学小说的范畴。有何区别，这些作品意义又是什么。

传统艺术强调距离感的静观，你欣赏画作，但无法改变它。你只能站在画框外面看，画里的人和事永远定格在那里。

游戏等现代媒介的核心是交互性，你是参与者，你的选择直接生成独特的叙事与情感体验，打破了艺术与现实、作者与观众之间的“第四堵墙”。不是你看着角色命运被决定，而是你自己的选择决定了角色的命运。

创造模式也变了：从“个体天才”到“系统工程”。由追求完美“单品”的艺术家，转变为管理庞大“系统”的导演或制作人。其创作充满了工程学思维、市场调研与团队协作。一个人关在屋子里写出一部杰作的时代过去了，现在要几百个人协调好几年。

还有社会集体记忆。就像911给一代美国人构建了反恐的集体记忆，现代作品普遍也在构建集体记忆，集体认同感，一群人都玩一款游戏，都看一部动画，在小众艺术表现形式里，这种集体划分往往更加彰显。你看过这部，你就在圈子里，没看过，你就被排除在外了。

欣赏艺术

而现代我连自己的网名都不知道怎么取，更别说欣赏艺术。现代人如何提升艺术审美？毕竟影视画面再精美，游戏特效再华丽，更重要的永远是内核。技术会过时，画面会落伍，但内核能留很久。

这是两件事的根源，都是自我认知的模糊和表达工具的匮乏。不知道自己到底喜欢什么，也不知道该怎么把喜欢的东西说清楚。亚当夏娃在伊甸园找到了人类的自由意志，我现在却有点怀疑，现代人的自由意志在哪里。大家都被时代洪流裹挟，找工作，房贷车贷，看见别人都找工作，那我也找工作，看见别人都读研，那我也读研。时代的灰尘，落在每个人身上都是一块巨石。可是今晚坐在剧场里听音乐的时候，我突然觉得，也许在巨石下面，偶尔抬头看看星光，这件事本身就是一种自由意志。

山谷里的呐喊

我在想，古代的文人哲人，他们写作品的目的到底是什么？张岱在湖心亭看雪的时候，他在想什么？他会想，后人会回想起我，我在湖心亭看雪的样子吗？他是因为有这种想法才去湖心亭看雪的吗？大概不是。他可能只是半夜睡不着，觉得天地间一场大雪，不出去看看就辜负了。至于写下那篇文章，更可能是一个人在船上，四周白茫茫一片，心里有什么东西涌上来，不写不行。写完之后，也许烧了，也许留着，谁知道呢。

这就绕不开萨特那句话，他人即地狱。不被注视的艺术，究竟有没有意义？如果一首诗永远没有人读到，它还算不算诗？创作到底是为了留存后世给别人看，还是更纯粹一点，单纯想展现自己的文笔风采，或者连展现都谈不上，只是胸口有东西堵着，必须吐出来？我想张岱大概是后者。他在湖心亭碰到那两个金陵人，对方拉着他喝酒，他喝了三大杯才走。下了船，船夫喃喃地说，莫说相公痴，更有痴似相公者。你看，他碰到同类了，但他并没有留下对方的姓名。他写这段，不是为了展示自己，而是那个晚上确实有那么一件事，他觉得值得记下来。

我觉得我今天的这番行为，更像是对着空无一人的山谷呐喊。我不知道我为什么要写这些文字，相反，连我这不善言辞的人都想写点什么，或许正说明，确实被这场音乐剧震撼到了。

也许这就是答案。不是所有的表达都需要观众，但所有的震撼都需要一个出口。山谷空不空不重要，你喊出去了，听见自己的声音撞在对面的石壁上又荡回来，那一刻你就知道，有什么东西已经在心里不一样了。

一些图片，录频下来截屏的，效果不尽人意，现场很多也不让拍摄